Clint est accroché au Western comme les super héros au spandex. Il a commencé sa carrière par un show TV du nom de Rawhide (qui arrivait à point nommé après de multiples apparitions dans des nanars d’Universal) possédant son lot de canassons et de vieilles pétoires, ce qui lui permit de taper dans l’œil de Sergio Léone pour ensuite se faire connaître sur la scène internationale dans la trilogie de l’homme sans nom (Pour une poignée de dollars, Et pour quelques dollars de plus, Le bon, la brute et le truand).
S’en suivra un petit bonhomme de chemin marqué par d’autres productions du même genre avec plus (l’homme des Hautes plaines , Josey Wales hors la loi, Pale rider…) ou moins (le soporifique Joe Kidd) de bonheur.
On passera sur la série des Harry pour noter tout de même un ultime clin d’œil au genre avec le mésestimé Bronco Billy, bluette agréable et pleine d’humanité et de bon sentiments qui alterna à l’époque avec le bruyant Firefox (un moyen de se ressourcer en somme).
Jusque là, pas de problème, à part avec Honkytonk Man (les ricains ont vraiment de la merde dans les yeux, c’est pas peu dire), Clint a réussi tous ses paris, jusqu’à marcher au box office avec deux films ayant un singe pour partenaire (Ca va cogner et Doux, dur et dingue). C’est donc que le Eastwood dégage quelque chose quand même !
Arrive alors Unforgiven dont le titre original reste tout de même plus explicite que sa traduction française (décidément, l’hexagone se conforte dans sa bêtise, puisque nous ayant déjà massacré la fin de l’Homme des Hautes plaines). Ce film est parfait , maîtrisé de bout en bout et scénaristiquement inattaquable.
On commence le film sur une petite maison perdue avec enclos et arbre à tombe tandis qu’un petit texte nous explique ce qu’il en est. Et arrive l’homme sans nom des débuts mais ici fatigué et buriné au possible avec des mioches (adorables, c’est sûr… pas un ado des années 2000 en tout cas). Le personnage a réussi l’exploit de se caser, de s’humaniser, de s’intégrer à la société en élevant cahin-caha ses cochons et en se ripant les rouages de survie élémentaire au nom d’une renonciation à la violence.
Et il s’appelle Bill Munny.
On passe ensuite à un bordel d’une ville voisine (pas tant que ça si on regarde le temps qu’il a fallu à nos vieux cowboys pour la rejoindre, ce qui me permet de dire que le tracas de la vieillesse bouffant son héros date de cette période, puisque suivront dans le désordre Space Cowboys, Créance de sang, Million Dollar Baby, Les pleins pouvoirs, Dans la ligne de mire…) ou une partie de jambes en l’air finit façon Elm Street au détriment des plus démunies que sont les prostituées.
Mais les gazelles de l’Ouest, véritable petite communauté solidaire, fomentent leur vengeance et déposent une prime de 1000$ sur la tête de nos juvéniles bandits. S’en suit le retour de vieilles alliances mais aussi de course à l’argent pour cette dernière, nous offrant l’un des meilleurs finals de western de l’histoire du cinéma.
Voilà pour ce qui est de l’histoire (vision réductrice pour cette masterpiece mais suffisante pour vouloir voir de quoi il s’agit).
Au-delà de l’histoire, d’une complexité plus sous entendue qu’il n’y paraît (le tout ne se résumant tout de même pas à je me suis casé mais un sordide fait divers va faire ressurgir la bête en moi), Eastwood possède des pions imparables.
Le casting, d’abord, véritable monument dont devraient s’inspirer les Sodderberg et consort. Pour obtenir un bon film, il ne suffit pas de réunir des stars du moment, aussi faut il qu’elle possèdent un réel talent (Tarantino l’a bien compris, qu’il s’agisse de réunir des gueules avec Reservoir Dogs ou un cast de vedettes internationales comme avec Kill Bill ou bien encore des vieux de la veille avec Pulp Fiction ou Jacky Brown). Ici, Eastwood y parvient sans peine, mettant en place une collaboration qui ne se démentira pas avec les années qu’il s’agisse de Freeman ou d’Hackman.
Tous ces acteurs sont étonnants, de véritables exemples pour la génération d’aujourd’hui et qui réussissent l’exploit de 
paraître crédibles et convaincants sur cet exercice de style (on ne peut que repenser au ridicule jeu d’acteur de DiCaprio ou de Sharon Stone dans Mort ou vif car même une parodie se doit de respecter ses références, n’est pas Leslie Nielsen qui veut.), démontrant tous les côtés obscurs du personnage d’Eastwood.
Freeman maîtrise son rôle parfaitement dans un Far West peu ouvert à l’acceptation raciale. Parfait pendant d’Eastwood, puisqu’ayant eu un passé similaire mais refusant de remettre en cause sa rédemption pour une sombre histoire de vengeance. Tout ce que Munny aspirait à être et qu’il va balayer d’un trait quand cet aspect positif de sa personnalité sera anéanti par ce qu’il déteste le plus.
Harris, mémorable Dumbledore en puissance (Gambon s’en sort bien aussi, mais je le préfère largement dans Layer Cake) propose un Munny perverti mais fallacieux, se bâtissant un personnage de fiction et provocateur en diable avec ses pulsions royalistes. Ce chasseur de prime est joué tout en finesse et on souffre de le voir maltraité par Hackman, car malgré ses défauts, il restait au demeurant rafraîchissant et sympathique.
Hackman, incroyable shérif de cette ville de fous, représente le Munny dans sa splendeur. Lui aussi aspire à une vie normale, construisant sa maison et s’amusant des déboires de ses concitoyennes mais a conservé toute la perversité et la barbarie de l’homme sans nom, en la multipliant à la puissance 100. L’aspect le plus redoutable donc, car une fois aculé ou simplement pour se défouler, il est prêt à massacrer (Harris) ou à tuer (Freeman).
L’apprenti assassin quant à lui renvoie à un Munny débutant et idéaliste, le tout étant bien sûr d’avoir les tripes d’assumer ce genre de job, ce dont se révèlera bien incapable le gosse en question, nous offrant la meilleure scène du film, quand Eastwood et lui discute du meurtre des toilettes (Prendre une vie, c’est prendre tout ce qui va avec, le passé, le présent et le futur).
Eastwood est la cerise de tout cela, puisque condensé de tous les Munny qu’il retrouvera tout au long du film, qu’il soit fidèle à ses nouvelles convictions (touchante scène où il s’entraîne au revolver ou lorsqu’il monte à cheval sur sa rossinante), où qu’il renoue avec ses anciens démons (quand il exécute Hackman désarmé et qu’il menace de détruire la ville , ses habitants et leur famille à la fin du métrage).
Le talent d’Eastwood n’est plus à démontrer quand il s’agit de manier la caméra. Qu’il s’agisse de nous faire cavaler à ses côtés dans de vastes paysages, de nous faire partager les problèmes de l’âge et de la prise de conscience de Freeman dans le guet-apens, de nous montrer la simplicité non assumée des ses persos à travers des prises de vues bucoliques ou bien encore quand le temps et le climat s’adaptent aux humeurs et à la mentalité de son héros crépusculaire (Début du film à l’aube, fin du film de nuit sous l’orage puis retour aux sources mais à la tombée de la nuit).
La musique joue aussi son rôle et le vieil Harry y a d’ailleurs apposé sa patte pour celle du début au moins. Sachant être simple, parfois discrète, elle reste efficace de bout en bout. Aucune critique à faire. Rien à redire. Tout y est. Drame, humour, destinée, cruauté et rédemption.
Un chef d’œuvre incontournable.
Impitoyable (Unforgiven)
1992 - Warner Bros
Réalisateur : Clint Eatswood
Acteurs : Clint Eastwood, Morgan Freeman, Gene Hackman....
genre : Western Crépusculaire
Film réalisé avec deux francs six sous, ce petit bijou reste inclassable. Partagé entre film à sketches et thriller horrifique, le final peut prêter à sourire quand on voit de quoi est faite la mort. (Les Oscar en plastique vendus avec les coffrets « il était une fois la vie » étaient plus réalistes !) C’est sans compter sur un casting déjà impressionnant de nos jours (P. Cushing, D. Sutherland, Christopher et Bernard Lee et l’ineffable Michael Gough rajeuni d’une trentaine d’années enfin débarrassé de ses vieilles chauves souris et autres Joker à double face) et surtout des historiettes prenantes dans la veine des contes de la Crypte.
pourtant, dans ce panel de classiques de l’horreur à la Hammer (dont Lee et Cushing ont fait la renommée via Dracula et autre Chien des Baskerville pour ne citer que les plus célèbres), c’est l’histoire la moins convenue qui se révèle la plus prenante (Sutherland et sa Vampirella permettant au film de se clore sur une note d’humour et d’horreur appréciable et rééquilibrant le niveau avec les premiers sketches) . L’histoire de ce critique d’art (Christopher Lee) poussé au meurtre après avoir été tourné en ridicule par un artiste (M. Gough) qu’il descendait en flèche est surprenante et rafraîchissante … et bien plus efficace que tous les films récents où des blondasses (ou brunasses) gueulent à gorge(s) déployée(s) dès qu’elles voient une ombre bouger (En vrac : Scream, Souviens toi…., Freddy contre Jason, Jason X et autres Urban Legend 22 et Sex Crimes 48) .
Le jeu des acteurs va du minimum syndical (pour l’histoire vaudou) au bon (Sutherland, Lee) au très bon pour C. Lee, M. Gough et Peter Cushing qui bien qu’apparaissant peu à l’écran vampirise à lui seul l’image lorsqu’il est présent. Pour ne rien gâcher les couleur sont assez rétro (vu l’âge et la rareté du film, 3 sources différentes ont été nécessaires rien que pour presser le dvd !) et la photo est remarquable. Le film dans son ensemble est cheap bien qu’il s’en dégage un petit goût de perfection et de revenez-y faisant passer la Guerre des Mondes de Spielberg pour un pub de jeux vidéos sans âme. Car le problème avec les effets spéciaux aujourd’hui reste que l’on en prend plein les yeux mais sans pour autant vibrer de l’intérieur et depuis Jurassic Park, Spielberg ne semble plus parvenir à mélanger ces deux principes avec bonheur au contraire d’un Peter Jackson jusqu’à présent toujours inspiré. Le train des épouvantes : que du bon en somme (carton pâte et bons acteurs, suffisamment crédible pour qu’on pardonne jusqu’à des chauves souris en peluche !)
Après le (trop) tranquille Thunderball, James Bond délaisse les intrigues mono-politiques saupoudrées de travail de taupe (propres également à Dr No,Goldfinger et Bons Baisers de Russie) pour entrer de plein pied dans les années 70 dans un contexte de guerre froide clairement exacerbé (avec pour arbitre l'Angleterre tout de même, dixit la scène de confrontation entre les politiques russes et ricains) avec une séquence d'introduction emprunte (situation heureuse ou malheureuse) de science fiction. De fait, le film débute par la digestion d'une capsule spatiale américaine par un vaisseau inconnu mais rapidement apparenté au Spectre. On passera sur la mauvaise qualité des incrustations de l'époque qui ressortent encore plus ici après la restauration de Lowry Digital et le manque de dynamisme de l'ensemble pour saluer un véritable effort scénaristique et spectaculaire. Star Wars n'en est alors qu'au stade embryonnaire et ce n'est pas la série Star Trek qui débute à l'époque seulement qui aurait pu avoir une quelconque influence. Les amoureux de la licence penseront bien sûr dans ce sens à Moonraker. S'en suit alors une scène de présentation extraordinaire nous offrant la mort de Bond, et ce, juste avant le générique habituel. Contrairement à Bons Baisers de Russie, il s'agit là en plus du vrai 007 et non pas d'un simulacre d'exécution. Pari risqué mais osé de la part de l'équipe de production, surtout dans le cadre du départ annoncé de Sean Connery qui ne voulait plus tourner de Bond.
commerciaux et de belles voitures modernes établissant furieusement le parallèle avec l’ex Austin Martin : coupé sport nerveux et deux place. On se laisse ensuite emporter vers le port pour enfin connaître les joies de la vie du pêcheur traditionnel.
Néanmoins, les systèmes d’ouverture / fermeture servent parfaitement l’action, rendant l’endroit maudit pour les autochtones (hommage à Dr No ?) et source de très bonnes scènes pour les spectateurs (dixit l’attaque finale des Ninjas). Les gadgets dans ce Bond sont peu nombreux mais mémorables. Au Jet Pack poudre aux yeux et vraiment peu pratique de Thunderball (qui reste un bon film, mais un peu lent, à mes yeux) succède ici la « petite Nelly » , joyau d’inventivité et à l’origine d’une des plus belles scènes d’action aérienne de la licence. On appréciera également le bureau à rayons X, le pont suspendu au dessus du bassin des piranhas ou encore le camp d’entraînement Ninja alliant modernité et tradition avec une fois encore, une organisation parallèle au Mi 6. 
de casting, dixit les bonus) via Donald Pleasence alors auréolé du succès de la Grande évasion et de La plus grande histoire jamais contée. L’attente a été longue, la quasi-totalité du film se déroulant sans lui physiquement et sa présence à l’écran étant finalement assez courte compte tenu de son influence dans les films précédents. Passé l’incohérence du physique par rapport aux romans originaux, on reste heureux de la prestation de Pleasence , tout à fait dans le ton, et encore loin du rôle du Dr soignant un certain Mike Myers dans une autre licence fameuse à venir.
Au final donc, un bon cru alternant entre une bonne scène d’introduction (le fait que Bond en sorte indemne n’est quand même jamais clairement expliqué. Le principe de la mise en scène ne justifie pas tout et la publication de la photo de Bond dans tous les journaux alors qu’il n’est qu’un capitaine de frégate, n’est pas cohérente) et de bonnes scènes d’action, le tout basé sur un scénario intelligent. Gilbert trouve sa place de réalisateur (Vivre et laisser mourir et Moonraker sont également de lui) et s’amuse à grands renforts de plans larges, plongées et autres gros plans avec un Connery au sommet de sa maturité d’acteur de 007 (entre deux âges, alternant avec bonheur l’efficacité cynique et le machisme séducteur). Quelques temps morts restent à souligner lors des scènes dans l’espace qui ont tendance à être identiques. Toutefois, on passe un bon moment et le semi échec (pour moi) de Thunderball (qui sans ses prédécesseurs n’aurait pas eu l’aura et le succès qu’on lui connaît) est largement rattrapé. 
Jean Philippe partait d'un postulat de départ interessant : que serait le monde si Johnny n'avait pas existé autrement que sous la carapace de Jean Philippe Smet?
en lui demandant si tout va bien alors que lui même ne peut scénaristiquement parlant pas faire la relation entre ses univers parallèles qui se révèlent au nombre de trois (pour le moment). Si Luccini doit se prendre un coup de minuteur archaïque dans le pif à chaque fois qu'il veut tenter de retrouver son monde, on ne s'en sortira pas.
Ici, tout commence par un banal braquage de musée qui tourne mal (l’héroïne perd son petit ami qui a dessoudé trois vigiles et tue le dernier à son tour avant de prendre la fuite). On retrouve évidemment la statue chère à Robert Englund et se pose déjà une question : que fait elle ici , dans une salle apparemment dépourvue de thématique sur la perse antique ou sur les déités ? Vu l’affection que portait Englund à ses dieux oubliés , on est en droit de se poser la question… Ensuite, l’opale de feu sauve l’héroïne d’une mort certaine en arrêtant la balle qui lui était destinée. Néanmoins, celle-ci ne l’a jamais directement touché (port de gants entre autre). Dans le premier, la blonde avait au moins essayé de la nettoyer en soufflant dessus, renforçant l’idée de lampe magique sous jacente. Dans le tome 2, il faut croire que l’on a besoin de raccourci….
l’éveilleur , là , force est de reconnaître qu’on s’ennuie souvent durant ces trois premiers quart d’heure…. qui restent indispensables pour que la brunette et son copain curé (cliché quand tu nous tient) puissent mener leur enquête et trouver dans un livre (d’apparence neuve) et sur in Internet alors balbutiant tout ce qu’il faut en prophéties et autres formules incantatoires pour se débarrasser d’un ennemi vieux comme le monde. On garde évidemment pendant ce temps les nombreux flashs télépathiques nécessaires pour relier le monstre à son ancrage mortel. La fin du Djinn, quand à elle, frise le ridicule avec le retour de la pureté de Fields suite à un de ses vœux (qui devrait donc la faire pencher encore plus sur la voie de la souillure, mais bon, ne mégotons pas) entraînant une porte de sortie pour les 1001 âmes et le cureton (les âmes réintègrent leurs corps et hop ! tout ce petit monde revient à la vie. Vu le massacre final à Las Vegas, certains ressuscités vont avoir du mal à retrouver une vie sociale….).
aussi jouissifs. Moins spectaculaires mais tout aussi tordus (voir plus) que dans le premier opus, on passe là un excellent moment, la prison n’étant pas avare de bons gags de ce côté. Ayant la correction de ne pas en dévoiler trop afin de garder la surprise intacte pour ceux qui seraient tentés, on citera juste la sodomie imposée à un avocat au moment où celui-ci explique à son client qu’il a trouvé un vice de procédure propre à le faire sortir légalement….
descend de cheval, parle au pauvre gus quelques minutes et parvient à le soulager de la peine immense qui l’empêchait pleinement de vivre sa vie (il est toujours dans le désert, toujours pauvre, mais il est heureux à présent, et libre !) . Passé le caractère incongru de cette situation, surtout en opposition au trois derniers films qui avaient été nécessaires à tous nos protagonistes pour qu’ils puissent s’accomplir complètement en tant qu’individus à part entière, on découvre alors que l’étranger est un Vulcain (au cas où on ne l’aurait pas compris, le pauvre gus, on l’appellera Gus pour gagner du temps , le désigne comme tel avec un sourire édenté frôlant le manque de maturité mentale) et que ce dernier éclate de rire. Le générique débute alors avec le nom de William Shatner en grosses lettres, sur une composition de Jerry Goldsmith qui se contentera ici de recycler son vieux score des opus précédents.
Le but de Sybock et de mettre la main sur Shakari, à savoir notre Eden et démontrer qu’un dieu unique régentant la création et riche de savoir existe, et qu’il est un contrepoids parfait du dogme vulcain de la science et de cette même logique. Sybock, pour parachever le tout n’est pas un illuminé puisqu’il était même destiné à intégrer les plus hautes sphères culturelles vulcaines. Enfin, pour lui donner une légitimité vis-à-vis de Spock, on en fait son demi frère ? Ce qui pourra permettre des rebondissements (n’ayons pas peur des mots) pour la suite. Le principe de la famille détournée est d’ailleurs un artefact pratique dans ce type de structure narrative, toujours prompt à creuser ou dévoiler un peu plus un personnage clefs, en faisant ressortir ses côtés sombres (Picard / Shinzon, Data / Lore) ou humains et faillibles (Kirk / David, Deanna / Lwawanna, Riker père et fils et j’en passe).
pas à glisser une ou deux lignes de dialogues pour expliquer leur non ingérence dans cette histoire. C’est peut être un bien en soi car vu les évènements, on aurait peut être eu droit à une flotte galactique romulienne basée sur la caravane de Priscilla folle du désert. La Fédération quant à elle envoie à la rescousse de son ambassadeur son vaisseau le plus emblématique, l’Enterprise …. Qui est encore en phase de finition et de rodage. La moitié des fonctions ne sont pas encore installées et on nous rappelle avec lourdeur que le téléporteur est en panne.
Le plus regrettable dans cette volonté de détruire tout ce qui a été construit se matérialise dans la dernière partie, qui débute avec la prise de la ville. On se croirait revenu au temps des westerns de papa (pourquoi pas, vu le nombres de monuments qui trainouillent leurs vieilles bottes dans le genre) mais revisité parles Keystones Cops. Aucun cliché ne nous est épargné. La navette atterrit loin du site (histoire de rajouter quelques minutes au film pour savoir comment gagner la ville) mais comme par hasard, les radars de la planète ne les détectent pas (si le fait de s’éloigner pour ne pas se faire repérer par les citadins est logique, qui parviendra à nous faire croire que les autres habitations ne possèdent pas leurs propre système de localisation ?). Bien évidemment, notre petite troupe arrive près d’un relais avec des chevaux. Des chevaux. Comme quoi, mieux encore que l’homme, les chevaux ont su coloniser l’espace et accepter de se faire monter par le premier Alien venu ? Quitte à faire l’apologie d’une espèce terrienne qui aurait suivi un chemin d’évolution différent, autant se tourner vers Voyager et son fameux épisode avec pour ennemis des dinosaures….
précédents et dont le paroxysme sera atteint avec la période Moore) dont le thème sera récurrent durant le film. Mise en place ensuite classique des événements (apparemment sans suite et décousus puis se regroupant admirablement durant le visionnage. Un des points forts de ces premiers Bond, assurément).
Dommage, sans compter que c'est ce genre de joutes verbales qui font le sel de ces films d'espionnage , tout comme les nombreuses notes d'humour du type du célèbre " Je l'ai harponné ". Un manque cruel se fait ressentir et on s'ennuie. Cet ennui se répétera à plusieurs reprises dans le film, en particulier lors des scènes sous marines qui, bien que filmées avec maestria, ne dégagent rien. La musique d'accompagnement est forte et rythmée, mais certains films muets bénéficient de scènes au rendu plus efficaces (Nosferatu de Murnau pour ne citer que le plus célèbre). Reste heureusement la final avec le Disco Volante qui lui reste plus que passionnant avec un Bond (enfin) entreprenant et témoignant d'une violence retrouvée. Le final en lui même par contre reste bâclée, se voulant emprunt de romantisme machiste et tombant à plat.
les films en eux-mêmes sont plus que bon, y a pas photo … quoique Andress sortant de l’eau en bikini avait quand même plus de charme que la Berry dans sa pâle imitation des années 2000) afin de pouvoir se caler dans un fauteuil confortable (vu la qualité du métrage, même un fauteuil de plage sans ressort aurait été bien) et d’apprécier LE Bond de la saga.
Les gadgets indispensables à Bond (et tellement préjudiciables à la crédibilité de Papy Moore) sont ici judicieusement agencés et ne nuisent en rien aux actions de Connery. Enfin n’oublions pas l’aide de camp de Goldfinger qui marquera de son chapeau les annales de l’espionnage commercial (jusqu’à le retrouver dans le sous estimé Last Action Hero, comme quoi, quand on tient le meilleur, on le réutilise jusqu’à plus soif).
de sa majesté, peut être à cause de l’acteur principal (bon, c’est pas un maître étalon niveau jeu d’acteur, mais il s’en sort tout de même mieux que les deux suivants, Brosnan à part puisque les enjeux de ses Bond ne sont plus les mêmes que les précédents, contexte technologique et géopolitique évoluant) ou plus implicitement par le simple fait que les spectateurs n’aiment pas voir leurs héros en position de faiblesse quand le clap de fin retentit (même remarque d’ailleurs pour La rose et la flèche , toujours avec Connery). Tuer les héros ou leurs proches sans possibilité de résurrection ou de vengeance, ça ne fait pas beaucoup recette. Ce Bond ci nous offre pourtant l’aspect le plus humain de son héros et ses douleurs les plus profondes.
Stephen Chow est un cinglé. Mais quel cinglé ! La frontière entre la folie et le génie est bien mince et ce dernier passe d’un côté à l’autre avec une aisance déconcertante. Du bonhomme, je n’ai vu que deux films : celui-ci (que j’ai acheté en collector simplement après avoir vu la fin de la bande annonce sur Ciné 6 , à l’époque) et Crazy Kung Fu avec la même équipe et encore plus touché par la grâce.
la psychologie de leurs détenteurs. Plume légère a perdu la foi et la ligne mais retrouve toutes ses facultés en faisant de son handicap et de sa maladie un sérieux et impressionnant atout (les câbles à peine effacés apportent une légèreté inattendues à l’ensemble d’ailleurs), l’homme d’affaire possède un moral et un corps d’acier, Tête de fer, obtus dans le vie est une vraie tête de pioche et reste mon préféré (imposer le respect en slip, faut le faire), Jambes d’acier est comme dans la vie, jamais pessimiste et allant toujours de l’avant, le plongeur qui passe son temps à courir de jobs en jobs possède un jeu de jambes redoutables, le gardien de but d’une dextérité diabolique est à lui seul un égal de Bruce Lee (épatante ressemblance) et enfin May ; pâtissière de l’année est en elle seule un pendant de ce qu’il manque à tous au début : l’unité et la maîtrise.
Je n’avais jamais vu ni même entendu parler de Planète hurlante. Il s’agit après recherche d’un film de science fiction pourtant renommé. Comme il n’est jamais trop tard pour bien faire, j’ai réussi à dégoter le dvd, occasion idéale de combler un sacré fossé dans ma culture «ciné fantastique ».
que l’on a pu apprécier dans l’incassable Les aventures de Buckaroo Banzaï à travers la 8ème dimension ou bien évidemment Robocop est aujourd’hui beaucoup trop sous exploité. Sa dernière grande histoire remonte à la fantastique mais écourtée Odyssey 5 (les ricains n’ont pas suivi faute de cerveau normé. C’est malheureusement souvent le cas dixit Star Trek dans les années 60 jusqu’à Dollhouse aujourd’hui alors que des Ugly Betty se prolonge jusqu’à la déraison). Et on le voit de temps à autre dans des séries tv de renom comme dans l’excellent l’épisode de Fringe saison 2 (épisode 18 : Dr. Alistair Peck) , le final de Star Trek Enterprise (intervention en temps que guest négociée avec Braga contre la promesse de réaliser des épisodes de la saison 5 … qui a été annulée alors que la série avait enfin trouvé son rythme de croisière !) ou plus récemment dans la cinquième saison de Dexter. 
Cela devient intéressant quand on apprend qu’ils ont suivi leur propre évolution dans leur rôle de prédateur et que l’être vivant de cible est aussi devenu combustible.
plus doté d’une belle portée philosophique sur l’homme, la guerre, la création et la solitude./fdata%2F4976796%2Favatar-blog-1263033987-tmpphp7dUuOC.jpeg){kind=avatar}