Le blog de Ivenpast

Le principe d'une bonne série Tv reste de mettre en place des personnages parfois caricaturaux il est vrai dans les premiers épisodes mais qui  finissent par être attachants. Le propre d'un bon show, c'est de réussir à faire pleurer ou réagir émotionnellement (rire, angoisse, peur et tout ce que vous voudrez d'autre) lorsque l'un des dits personnages est soumis à une situation extraordinaire. Si vous ne ressentez rien, c'est plutôt mauvais signe et il est quasiment certains que la saison n'ira pas à son terme où guère au delà. Les exemples sont légions pour les mauvais sujets (mauvaise exploitation, tendance à la redite, chute d'audience vertigineuse) comme pour les petites perles qui n'ont su trouver leur public malgré un pitch novateur ou du moins une bonne exploitation à l'instar de feu Tru Calling ou encore de la brillantissime Odyssey 5 que le studio a stoppé en pleine narration et dont le final ne pourra être connu que par les possesseurs du coffret dvd grâce au commentaire audio de Peter Weller et de M. Cotto (pour ceux qui ne l'ont pas, les machines devaient s'unir aux humains et inversement pour lutter contre une menace encore plus grande, étalée sur cinq saisons).

Néanmoins, une mort stylisée dans une série à succès et surtout amenée de manière correcte permet à cette dernière de connaître un pic d'audience ou pour le moins de générer un buzz de premier ordre sur le Net. De plus, elle permet, en cas de prolongation de saison de se poser la question de l'après, à savoir comment les personnages survivants vont-ils prendre leur parti de vivre sans leur camarade, quand il n'est pas question de l'héroïne principale. Le rapport à la mort peut alors être abordé de diverses façons, divergeant selon l'age du personnage, le passif vis-à-vis du trépassé, les relations établies avec lui et dans le cas d'une série manichéenne, on aura de surcroît le bonheur de voir cette analyse passée au crible du côté de la force obscure. Logique, car quand un bad guy de saison meurt, on s'y attend tous et les héros reprennent leurs petite vie quotidienne en attendant que les scénaristes leur pondent avec un bonheur plus ou moins grand selon les années un méchant d'envergure encore plus grande qui attendait tout simplement que le précédent soit mort pour entrer en scène.

Pour exemple, on citera de nombreuses séries cultes de ces dernières années se basant sur des menaces prétendues quasi universelles comme Charmed (encore) qui nous a gentiment introduit deux démons mineurs avant de nous dévoiler La Source et Balthazar pour que ces derniers finissent par s'entretuer dans la course au pouvoir tout en nous mettant une cuillerée de fondateurs (les gentils marchent selon le même principe),d'avatars et autres démons majeurs ceux là. Buffy appartient également au nombre selon une suite logique avec sept bad guys plus ou moins réussis (Le Maître, monumental méchant pour une première saison et si réussi que son ombre survole encore la série jusqu'au grand final et qu'il a été faire un tour du côté du spin off Angel, puis Spike , le Maire, Adam, une histoire tordue avec une sœur en cadeau bonux, puis enfin Willow qui change de camp et pour finir le Mal en personne qui lâche ses créatures les plus primitives) qui engrangent un nombre incalculable de décès mais aussi de nouveaux membres des forces démoniaques. Le plus jouissif de cette bande de boss de jeux vidéo reste bien sûr Adam qui tue simplement pour comprendre comment fonctionne la mort alors qu'il est lui même un être composé de cadavres de divers monstres. La boucle est bouclée.

Maintenant, prenons les choses du côté inverse, quand un héros meurt dans une série. Attention, pas n'importe quel personnage, pas celui qui se distingue par un acte héroïque le temps d'un épisode mais bien un héros apparaissant au générique. Quand ce dernier est tué au cours d'une saison, les méchants ne sont pas les seuls concernés. C'est toute l'histoire du soap qui doit être réécrite pour repartir sur des bases saines, ce qui permet d'entrevoir deux possibilités. Soit le mort reste mort, avec le traumatisme logique qui en découle et un déséquilibre des forces, toujours à l'image de Charmed avec le décès de Prue par le démon Shark qui remet en cause le ciment même du trio via le pouvoir des trois, quintessence de leurs dons de sorcière. Les scénaristes, avec cette mort problématique doivent alors s'arracher littéralement les neurones  pour pouvoir reconstruire sans dénaturer les fondements de la série une suite logique et donnent donc une demi-soeur qui se révèle comme par hasard sorcière elle aussi. On pensera également à la mort de Dax dans la saison 6 de Star Trek Deep Space Nine  qui bien que paraissant anecdotique va redéfinir complètement le personnage de Worf, déjà l'un des plus riche de cet univers particulier, et lui donner une nouvelle rage de vivre après un passage de deuil extrêmement pénible, faisant de lui un klingon bien plus humain que la majorité des membres de Starfleet et un guerrier dont l'honneur et l'intégrité pourraient à eux seuls faire basculer tout l'Empire vers une ère de gloire jusque là inaccessible (ce qui sera indirectement le cas avec le maintien de son rôle d'éminence grise alors qu'il refuse les pleins pouvoirs).

On pourra encore ajouter le trépas inévitable de Jonathan Kent qui permettra à Smallville de perdre ses ailes d'innocence pour entrer de plein fouet dans une ère adulte plus que bienvenue, symbolisée par un enterrement sous la neige tel un espoir se répandant sur le monde dans l'indifférence générale. Cependant, les exemples sont tellement nombreux qu'on ne les abordera pas tous ici, qu'il s'agisse de la mort de Grundy qui redéfinit le personnage d'Hawkgirl dans Justice League alors que la planète entière lui tourne le dos à celle de Captain Marvel dans l'univers éponyme qui sera l'un des plus beau décès retranscrit dans le monde des comics, un peu comme celui de Supergirl avec la saga Infinite Crisis chez Dc , via une couverture magnifique montrant un Superman en larmes tenant son corps ensanglanté.

La seconde possibilité en cas de décès prématuré réside bien sûr dans une résurrection. Les moyens sont multiples. On peut clairement prendre les spectateurs pour des abrutis de première bourre comme dans Dallas avec le retour de Patrick Duffy dans le rôle de Bobby Ewing qui fait son apparition sous la douche sur le prétexte que la saison écoulée n'était qu'un rêve (dont les actions et leurs conséquences perdurent dans la réalité.... encore un qui a du abuser de la pilule bleue de Morpheus) ou les respecter tout en ne trahissant pas l'univers que l'on a eu tant de mal à créer via le retour emprunt de mysticisme de Buffy, qui s'accompagne de plus d'une remise en question du personnage et de ses adjuvants, Spike en tête , qui la perd complètement d'ailleurs. Le problème récurrent avec cette option reste son utilisation à outrance qui dénature jusqu'au côté émotionnel voulu par la perte brutale d'un acteur phare.

Dans Smallville, Lana Lang, Chloé Sullivan, Lois Lane ou encore Lex meurent tant de fois pour revenir en forme que cela n'a guère plus d'intérêt (tout comme la perte ou le transfert de pouvoir qui conduisent à une lassitude certaine et à des incohérences monstres du type Shawn Ashmore qui devient un superboy névrosé dans la saison 1 puis qui interprète ensuite le rôle de Jimmy Olsen quelques années plus tard sans que personne ne s'en offusque. Même si le rôle est interprété par Aaron Ashmore, le coup du frère jumeau est un peu gros à avaler). Mais ce principe de renaissance à répétition peut malgré tout devenir un arc scénaristique majeur autour duquel s’articulent les différentes aventures personnages comme San Goku et sa tribu dans Dragon Ball Z nonobstant bien sûr les multiples menaces encourues par Saori dans les Chevaliers du Zodiaque?  Malheureusement, on peut aussi avoir à faire au phénomène inverse, assez rare il est vrai mais extrêmement frustrant : la mort bête et inutile.

Dans Star Trek la nouvelle génération, le lieutenant Tasha Yar est tuée par « l'essence du mal » d'un seul coup, sans raison. Les scénaristes ont crée un personnage qu'il était difficile de rendre intéressant,  dans une fonction également peu sujette à développement, d'autant plus qu'elle était pourtant nouvelle sur l'Enterprise, à savoir chef de la sécurité et ils l'ont tuée en un claquement de doigt, sans pour autant entraîner de conséquences sur l'équipage. Pas un changement, à part la promotion éclair de Worf et un Data légèrement touché (il n'en est qu'au début de son développement émotionnel et on est encore loin de l'échange avec Spock de la saison 5), pas un retour sur événement ou presque dans les six saisons à venir , à part dans un épisode ayant pour base un paradoxe temporel, ce qui reste assez léger.

On peut aussi citer le cas Withler dans Blade. Autant son décès apparent dans le premier opus marquait un pas supplémentaire dans le parcours initiatique du Diurnanbule , via une scène extrêmement forte en émotion (la plus puissante de la trilogie à coup sûr suivie de près par le décès de la vampire alliée dans le second volet) , lui permettant de partir affronter Deacon Frost la rage au ventre et avec un plan infaillible, autant son exécution par les humains (un comble pour une pirouette de scénariste mal exploitée en plus dans ses différents aspects qui auraient pu souligner l'inutilité d'un combat pour une race n'en valant finalement pas la peine) dans un dernier tome avilissant  ne conduit à rien, si ce n'est à l'introduction tardive d'une Jessica Biel dont la transparence ferait passer le miroir de la marâtre de Blanche Neige pour un maître de cours de l'Actor's Studio...

Poussons même le vice en rappelant la mort d'Albert dans la Petite maison dans la prairie. Avec un destin aussi hors norme et un personnage aussi fort qui a réussi à s'intégrer comme le premier orphelin de la famille Ingalls pour finalement mourir dans le final d'un épisode certes bouleversant mais ne permettant pas au spectateur d'avoir le recul nécessaire pour en apprécier toutes les finesses au moment de la destruction finale de Walnut Grove, autre entité indissociable du show multirediffusé de M6.

La suite Lundi prochain ...

En cette période de récession écologique et  de frein à la volonté de rouler libre se déroule malgré tout le mondial de  l'automobile qui, contrairement à ce que l'on pourrait croire, continue de remporter un franc succès. A défaut de rouler, nous pouvons donc espérer nous ébahir devant des modèles aux lignes toujours plus félines mais aussi, car il faut bien admettre que les constructeurs, dans une volonté toujours d'actualité d'ailleurs d'augmentation de leurs carnets de commande, sont parvenus à nous surprendre et à offrir des modèles low cost au désign agréable et respectueux de l'environnement, mot magique assaisonnant à outrance nos préoccupations actuelles mais restant indispensable pour un futur à la voiture ne rimant plus avec luxure mais seulement avec an innocent pleasure. Cependant, pendant que nous simples mortels devons continuer à arpenter le bitume dans nos pots à yaourts, nos avatars de cinéma eux, réussissent à mener à bien leurs aventures au volant de bolides toujours plus innovants, toujours plus rutilants, toujours plus performants suscitant rêve et convoitise dans nos mirettes décidément sujettes à apprécier les belles choses...

Force est de reconnaître que le 7ème art a depuis toujours su magnifier ce qui n'était pourtant au départ qu'un simple outil de remplacement à la carriole du père Ingalls , nonobstant une évolution certaine du support qui a commencé en toute logique comme simple moyen de transport pour terminer sur un personnage parfois à part entière du métrage avec ses objectifs et son propre système de valeurs.

Ce dossier non exhaustif, et qui je l'espère entraînera de nombreuses propositions de compléments dans la partie post en bas de page se propose donc de brosser ce pan de l'histoire du cinéma à travers des voitures phares ou intimistes, mais ayant malgré tout eu leur part de succès dans le scénario ou l'exploitation du film auquel il appartient , réussissant parfois même la gageure d'éclipser les héros de chair et de sang pour leur propre calandre dans l'imaginaire populaire. De Taxi à Bond en passant par Cars et Christine, faites chauffer les moteurs et en route pour marquer de gomme des années de pellicule.

Ne nous leurrons pas. La voiture, dont la naissance est contemporaine de celle du cinéma, n'a longtemps été qu'un simple accessoire , vecteur de charme pour les séducteurs à la Clark Gable , opportunité de se rendre d'un point A à un point B sans plus de fioritures mais laissant quand même la possibilité de quelques plans introspectif à l'image de celui du Psychose où la conscience de l'héroïne la travaille au corps ... cette image va longtemps lui coller aux jantes et il faut bien reconnaître qu’avant les années 60, il n’y aura pas à grand-chose à signaler de ce côté-là. Je défie d’ailleurs quiconque de me proposer plus d’une demi douzaines de modèles ayant pu le marquer avant cette période au cinéma.

Les années 1960 vont marquer un changement véritable dans la considération de cet objet du quotidien, permettant à la voiture de passer du statut de simple objet à celui d’extension du personnage de cinéma véritable, et ce grâce à l’arrivée de deux formidables licences : Batman et James Bond. Par Batman, nous parlerons évidemment ici de la version de 1966 avec l’introduction de la fameuse Batmobile conduite alors par Adam West. Cette dernière , pas encore personnage à part entière, permet tout de même de différencier le héros Batman du milliardaire Bruce Wayne et possède son lot de gadgets efficaces pour lutter contre le crime, réussissant même l’exploit d’être assez en avance sur son temps.

On est bien sûr encore loin des véhicules si particuliers mis en image par Tim burton et la franchise animée des années 1990 mais cette voiture là, de par ses lignes particulières et un soupçon agressives marquent encore les esprits de tous les fans aujourd’hui. De toute manière, elle représente l’objet indispensable de tout Batman’s Movies  au même titre que les jolies filles dans James Bond … qui va lui aussi apporter un changement fondamental. Il est évident que pour Dr No et Bons baisers de Russie, le souvenir de la voiture bondienne soit tombée aux oubliettes, le fait principal relevant alors du personnage qui peut aisément se passer de sa voiture pour exister en tant que tel . Batman 66 peut se vanter de surcroît de se baser sur une idée similaire. Enlevez leurs véhicules à ces deux héros, ils n’en restent pas moins des icônes fortes, empruntes de classe pour l’une et de culture malicieusement Kitch pour l’autre. Mais nous y reviendrons un peu plus tard.

Ce principe de la voiture transport va se poursuivre dans toute l’histoire cinématographique donc, et ce, jusqu’au Taxi d’aujourd’hui. Pour prendre quelques exemples de voitures marquantes, on pourra citer en vrac leur utilisation dans HonkyTonk Man d’Eastwood, dans l’espion qui m’aimait, dans Sos Fantômes ou bien encore la citroën DS de Fantômas ou bien même la fameuse 403 de Columbo. Tous ces véhicules ont du ressurgir dans vos esprits à leur simple énoncé mais que représente elle vraiment au fond ?

Que ce soit l’inspecteur ou l’espion, la troupe de chasseurs de fantômes ou la vielle voiture de collection du chanteur désabusé, tous ont un background suffisamment dense pour pouvoir exister sans ce faire valoir. Bien sûr, ces véhicules représentent en soi un reflet de leur propriétaire. Eastwood arrive dans la ferme de son frère avec une voiture couverte de poussière et de crasse, écho de son propre état de santé, devenu lamentable suite aux abus d’alcools entre autre. La voiture va être nettoyée de fond en comble par son neveu (et accessoirement son véritable fils dans la vie, qui sera aussi derrière l’OST du diptyque Mémoires de nos pères) tandis que lui-même va essayer de reprendre des forces au sein de la dite famille. Une fois tout le monde propre ou remis d’aplomb, l’oncle et le neveu vont prendre la route pour un avenir plein d’espoir consistant en une audition salvatrice et pour cela, la voiture est rutilante. Las, au fur et à mesure de la déchéance prévisible d’Eastwood , cette dernière se voit de nouveau contrainte à arborer une pellicule de misère qui finira par survivre à son propriétaire dans un final pessimiste et lourd de sens où ni nui l’autre n’iront plus nulle part. Mais finalement, la voiture dans ce métrage , n’a que pour fonction de faire avancer les personnages et sans elles, le film aurait pu se dérouler à bord d’un bus ou en faisant de l’auto stop. La fonction première est donc conservée.

Bond, dans l’Espion qui m’aimait, conduit une superbe Lotus qui à un moment devenu classique, celui de la poursuite qui représente le fait d’arme et l’heure de gloire du châssis à 4 roues dans tous les films de ces 40 dernières années, de French Connection aux Armes fatales en passant par I Robot ou bien encore Jurassic park (en fait seule la nature des poursuivants finit par réellement différer au final, qu’il s’agisse d’un T-rex ou d’une armada de robots en colère), finit par distancer un hélicoptère en défonçant le parapet d’une route sinueuse pour finir en pleine mer dans un véhicule capable de se transformer  en sous marin . Bien que spectaculaire, on sent que la voiture ne reste qu’un moyen de transport limité puisque devant dorénavant se dépasser pour réussir à maintenir une certaine attention. La preuve de son inutilité une fois sa scène passée est confirmée par Bond qui en fait assez peu de cas et la laisse derrière lui pour poursuivre sa mission. Idem dans Sos fantômes où certes, la fameuse ambulance permet d’imposer une certaine image visuellement, mais en réfléchissant bien, un camion aurait tout aussi bien pu faire l’affaire tant son importance est infinitésimal dans le déroulement de l’action. Pas un plan ne nécessite impérativement sa présence.

Le fameux taxi de Luc Besson permet quant à lui de faire se démarquer son chauffeur et d’apporter son lot de scènes cocasses avec radars tombants et méchants en déconfiture mais dans cette saga, il joue finalement le rôle le moins important face à la galerie de personnages abrutis faisant vivre la licence.  Certes, le relooking de la Peugeot, surtout lors de ses scènes live de customisation est sympathique mais au fur et à mesure de l’évolution (?) de la saga, ce sont bel et bien les personnages qui prennent le dessus, et ce dès le second opus avec ce commissaire pas piqué des hannetons qui finit par phagocyter le temps de présence de tout le casting à l’écran (ah, les « cons nichons wouah ! » et autres « jolis gâteaux ») jusqu’à porter purement et simplement le film pour son dernier volume. Vous enlevez le commissaire, vous avez un page pleine de tâches. Vous enlevez le taxi, vous gardez quand même un brouillon présentable. Il en va de même , en y pensant pour la télévision, petite fille (il)légitime du grand cinoche avec des séries comme Shérif fais moi peur.  La DS de Fantômas reste quand à elle anecdotique même si aucun gamin ne peut oublier la manière dont elle distance Fandor et Juve en prenant son envol sur la piste d’aéroport.

A suivre ....

J'aime le cinéma en général, tous genres ou origines confondus. Néanmoins, quand je m'installe devant mon écran, du moins quand j'en trouve le temps ^^, je n'aime pas être pris pour une buse et j'aime en avoir pour mon investissement. Quand le film em plaît, généralement, vous le savez (s'en suit une critique ou un avis express passionné que vous prenez le temps, ou pas, de lire en entier).

Parfois, il arrive malheureusement que le film inséré dans le lecteur soit porteur d'espoirs rapidement déçus! Voici mes regrets les plus récents.... même si certains d'entre eux ont pu révéler un certain potentiel finalement . Enjoy!

La famille TenenBaum

Voici l’archétype du film qui a joui d’une bonne presse et qui possédait un casting réunissant les fleurons de la vieille (Hackman, Huston, Murray, Glover) et de la nouvelle (Stiller, Wilson….) génération. L’histoire de faille improbable qui est proposée aurait pu donner un bon métrage complètement décalé et une comédie destinée à devenir culte. Las, on se retrouve face à un mauvais téléfilm qui enchaîne les scénettes sans continuité et sans respecter le clash générationnel. On a évidemment le fil de Royal Tenembaum qui va perturber tout ce petit monde (sur plus de 20 ans quand même dont 19,5 d’absence) mais la sauce ne prend pas. Reste un ennui insondable de près de deux heures devant cet imbroglio tragi comique. Dommage, car il y avait du potentiel.

The Da Vinci Code

                Phénomène d’édition dès sa sortie, le Da Vinci Code était un livre de facture plutôt classique , rédigé dans un style simple et accessible. La grande force de l’ouvrage résidant  dans sa faculté à proposer des chapitres assez courts, guère plus de trois ou quatre pages en format poche tout en y instaurant systématiquement un rebondissement clef. Les personnages étaient certes nombreux et le pitch assez peu probable et pourtant, l’alchimie fonctionnait. Bien évidemment, Hollywood ayant senti la poule aux œufs d’or nous a mâtiné tout ça en blockbuster.

                Ce qui donne un des pires films de ces dix dernières années, voire peut être même un prétendant au titre de nanar ultime. Sur grand écran, tout est retranscris de manière ridicule dans un cabotinage d’acteurs de trempe internationale. La simple scène d’introduction avec un Saunière sur le point de mourir parvient même à démystifier l’ambiance si particulière du livre pour nous offrir un spectacle confondant où les défauts sous jacents de Dan Brown ressortent de manière éclatante. Tom Hanks ne parait pas du tout concerné par son personnage et seul son postiche semble faire front contre vents et marées.  Le passage où Tautou apprend qu’elle est descendante du Christ appartiendrait presque au registre de la comédie (la salle riait d’ailleurs systématiquement à ce passage) et même Ian McKellen se contente du strict minimum (même pas syndical).

                Un film interminable, insoutenable de niaiserie et à l’objectif complètement manqué. Heureusement que sa suite Anges et Démons est plus réussie!

Soyez sympas, rembobinez

Une autre très grosse déception basée sur un postulat de départ pourtant intéressant. Le fait de voir deux loosers désespérés essayer de refaire des films cultes suite à un accident électromagnétique aurait pu donner de grandes choses. D’ailleurs, les meilleurs moments du film restent justement ces tentatives de remakes « sweddées », les clins d’œil étant légions au ciné populaire d’aujourd’hui et d’hier (Rush Hour 2, Le roi Lion , Sos Fantômes et j’en passe). Il reste regrettable d’avoir enduit tout cela de guimauve pour sauver un vieux vidéoclub de l’extinction. L’abattage de Black est lui aussi préjudiciable et nuirait presque au film (alors qu’on est un peu venu le voir pour lui…). Un nanar donc contre lequel on n’aura pas de critiques bonnes ou mauvaises, simplement de l’incompréhension. Pourquoi filmer de tels navets là ou de bonnes histoires ne trouvent souvent qu’un financement et une exploitation confidentielle ? Reste une belle déclaration d’amour au cinéma popcorn… 

Dragnet

L’exemple type du nanar qui s’assume et qui réussit ! Ayant pour tête d’affiche Aykrod, Plummer et Hanks, ce film propose de suivre une enquête invraisemblable menée par deux inspecteurs aux caractères complètement opposés au sujet d’un ponte religieux hyper médiatisé qui se révèle être le grand prêtre d’une organisation criminelle et semi satanique. Rien de bien transcendant là dedans rétorquerez vous. Peut être, mais le jeu de Plummer qui apparaît tour à tour manipulateur et obsédé, celui d’Aykrod qui se croit littéralement dans un polar des années 50 et celui de Hanks qui semble venir d’un autre monde ne peut que réjouir au même titre que le combat contre le serpent (clin d’œil à Ed Wood et Lugosi ?) ou l’assaut de la villa du Heffner local. Film inclassable et mal joué, mal tourné et au scénario plus que grossier, Dragnet reste justement un nanar culte car n’ayant pas peur d’être ce qu’il est. Un excellent cru.

Alien Apocalypse

C'est avec grand plaisir qu'on retrouve Bruce Campbell dans ce film digne d'une bande dessinée du type EC Comics. Et pourtant ! Les SFX sont affreusement datés et recyclent souvent les mêmes plans. Les intérieurs /extérieurs n'ont absolument rien coûtés et se contentent le plus souvent d'être en forêt. Le scénario est quasi inexistant et les acteurs entourant l'ex Ash ne servent à rien , même pas de faire valoir. Aucun cliché ne nous est épargné, avec pour l'exemple, le black sympa (et seul) du groupe (constitué de WASP) qui se fait dézinguer dans le premier ¼ d'heure.

Malgré tous ces handicaps (dont un seul suffirait à ruiner la réputation d'un blockbuster avant même sa sortie) et malgré un budget costume frisant le ridicule (Borat semblait plus riche avec son maillot de bain si particulier) , on reste assis avec une joie régressive devant ces aventures improbables en forme d'immense clin d'œil à la science fiction des 50 dernières années (Des différents Planète des singes à V en passant par ces innombrables nanars de série z où un seul se soulève contre tous sans oublier Prédator 1er du nom). Les ambitions de Campbell d'être le seul ou dernier médecin sur Terre tiennent la route et les dialogues , bien que frôlant la vacuité totale se révèlent souvent décalés et drôles. L'affrontement final avec les mantes religieuses échappées d'une jeu super-nes type Prehistoric man aurait pu être grotesque (il l'est , rassurez vous) avec ses débarquements réutilisés à outrance du même groupe d'Aliens mais permet à Campbell de s'en sortir grandi une fois de plus.

Passé certaines invraisemblances, certaines idées paraissent assez fun : la manière de se débarrasser des éléments inutiles ou de punir les hors la loi (miam miam), le système pileux complètement jeté des autochtones, l'emprisonnement à la fin de la journée de travail ou les techniques de rebouteux douteux mais efficace dans la forêt…..

Bref, vous pouvez posez vos pieds sur la table, éructer du houga houga et vous laisser prendre par la main pour 90 mn de plaisir enfantin sans conséquences…

Et le voyage se poursuit, dans la joie et la bonne humeur !

3)         TOS sur grand écran

La série terminée, il faut attendre plus d’une dizaine d’années avant de voir commencer à se concrétiser le projet d’un Enterprise sur grand écran. Et le résultat est à la hauteur des attentes. On en termine avec l’aspect un peu cheap mais pourtant déjà si efficace de la série TV pour faire jeu égal avec les vaisseaux de Star Wars… bien que visuellement, Star Trek se démarque par un aspect toujours aussi lisse. Le nouvel Enterprise reste en fait celui de la série tv, mais ayant bénéficié d’une sévère remise à jour. Graphiquement unifié, on en termine avec les visuels multiples pour de plus bénéficier de quelques ajouts non négligeables à l’instar du lance torpille qui établiront une ligne de conduite jusqu’à la version J (visible dans Enterprise saison 3… mais cette version là, je ne la montrerais pas, histoire de garder quelques surprises pour le néophyte qui se prendrait d’affection pour cette franchise).  

En sus , on a également la possibilité de voir le spatiodock attitré (ou presque) du vaisseau de Kirk. Je reviens souvent sur ces installations spatio-portuaires à juste titre, car au fur et à mesure de notre avancée dans le temps, il faut garder à l’esprit que la taille et les possibilités de l’entreprise doublent quasi systématiquement, ce qui proportionnellement parlant permettrait au vaisseau de TOS d’arborer la taille d’une navette de luxe face à l’immense Enterprise E de Nemesis !  

The motion picture passe près d’une vingtaine de minutes à faire l’apanage du seul vaisseau de la Fédération visible en entier dans le film et force est de constater que l’ensemble bénéficie de lignes aérodynamiques et proportionnées. On a la nette impression que les aventures à venir vont être d’une autre classe, jusqu’à ce plan final où le vaisseau apparaît immaculé malgré sa longue traversée et les épreuves rencontrées. Wise a magnifié l’Enterprise dans une vision onirique de toute beauté mais qui a un peu déstabilisé.

Qu’à cela ne tienne, La colère de Kahn va reprendre les bases de Wise, les raccourcir tout en les réemployant pour des raisons de budget mais aussi de continuité et en parallèle avec le traitement des costumes, le cas de l’Enterprise va également être revu et corrigé.

L’Enterprise de Wise était presque digne du rang d’une icône, tout en blancheur immaculée et en lumière douce ? La nouvelle trilogie entame son remaniement en offrant un vaisseau tout en nuance de couleurs chaudes allant jusqu’à flotter dans un clair obscur de toute beauté.

Plus fort encore, jusqu’à maintenant, l’Enterprise était plutôt considéré comme un simple moyen de transport permettant à ses occupants de transcender parfois jusqu’à leur nature même d’êtres vivants. Meyer va reprendre ce concept et l’appliquer au vaisseau directement. De fait, l’Enterprise ne va plus simplement faire de la figuration mais également participer aux scènes d’action. L’allégorie va être poussée à son paroxysme dans la longue et passionnante séquence d’affrontement entre Kirk et Kahn. Car ce n’est pas simplement l’affrontement entre deux hommes qui va être montré. Hommage dissimulé ou non aux westerns de papa, les deux starships de la Fédération (autre nouveauté ! non seulement , Starfleet a plusieurs vaisseaux aux visuels différents mais en plus l’un deux va servir le côté obscur de l’humanité que représente Kahn) vont s’affronter dans une suite de plans alternés renvoyant aux plans serrés voire même aux grands plans effectués autrefois sur les yeux de deux cowboys s’affrontant en pleine rue. 

Mais Meyer ne s’arrête pas là ! Avant de confier les rênes à Nimoy, il était logique de pousser son raisonnement jusqu’au bout. L’équipage de l’Enterprise est capable de souffrir, voire même de mourir et ce,  même pour ses officiers supérieurs ? Le vaisseau lui-même doit alors lui aussi afficher les stigmates profonds du traumatisme subit en son sein, et c’est un Enterprise à bout de souffle après 30 ans d’aventures qui rentre au bercail couturé de cicatrices aussi peu aguichantes qu’elles sont honorables. La symbiose est complète.

Kirk, ses hommes et leur vaisseau ne font qu’un, de manière fusionelle, la torpille porteuse de destruction de l’un devenant la dernière demeure de l’autre, le tout envoyé vers un mythe ayant à la fois été cause de tristesse et de chagrin mais qui demeure aussi porteuse d’espoir et de renouveau. Qui a dit que Star Trek était basiquement manichéen ?

Devant cette évolution, comment dépasser les limites du crédible tout en conservant l’analogie entre le spatiocroiseur et ses hommes ? La réponse est simple. Tout au long des ces deux premières aventures a été mis en avant le problème de l’âge et de la succession. Kirk et consort ne sont plus tous jeunes, et à force de vouloir trop bien faire en défendant des valeurs fédératrices,  ils ont payé le prix fort et vont rentrer chez eux pour être remisés au placard. Déjà la disgrâce discrète avait touché Kirk dans sa promotion au grade d’amiral, ce dernier ayant été relégué à des tâches administratives et de formation, sa soif d’aventure et d’action n’ayant pu être de nouveau étanchée que par pistonnage et expérience. Il est alors logique que le vaisseau phare suive la même déroute et c’est alors à un démantèlement pur et simple qu’il est destiné, son remplacement étant programmé au bénéfice de l’Excelsior, vaisseau de toute nouvelle génération. 

Placés en retrait sur des étagères d’un Hall of fame dont il se refusent encore à occuper les rangs, désespérés devant l’annonce de Sarek qui laisse planer un doute possible quand au devenir du Katra de Spock et abandonnés par la hiérarchie même qu’ils avaient eu jusqu’à présent cœur de défendre au prix de l’ultime tribut, il en reste plus à Kirk et sa bande que la place pour un ultime baroud d’honneur destiné pour une fois à faire quelque chose qui les concerne eux, personnellement.  Et c’est à bord d’un Enterprise presque dégingandé qu’ils comptent effectuer leur ultime mission.  Quelle rapport avec ce dossier diront certains ? Evident répondrais je. L’Enterprise a visuellement été rapproché au plus près des expériences de ses locataires…. Autant que faire se peut.

Que peut il alors rester de faisable pour pousser au-delà du fusionnel la relation officier / vaisseau ?

Le sacrifice.

A l’image de Spock, l’Entreprise va être sacrifié pour sauver quelques vies et illustrer directement les derniers mots de son officier scientifique le plus emblématique : «  le sacrifice d’un seul pour la survie du plus grand nombre ». Pour la première fois de toute l’histoire de la saga , l’Enterprise va être exécuté sur grand écran par ceux là même qui l’ont défendu si hardiment dans tant de contrées inconnues, et ce pour lui éviter le déshonneur d’être récupéré par ses plus grands ennemis.

Les plans se succèdent alors , désastreux, magnifiques en réponse à la longue présentation de The Motion Picture et c’est un cadavre brûlant dans le cosmos qui s’offre à nos yeux. Une page est tournée. Il va falloir avancer, se renouveler. Star Trek TOS n’est plus. L’inconnu s’ouvre vraiment sans point de repère aucun vers l’infini.

La trilogie de la maturité comme j’aime à l’appeler s’achève alors par un retournement complet en proposant comme vaisseau remplaçant de l’Enterprise ni plus ni moins que le vaisseau klingon à l’origine de sa destruction. Et c’est dans cet Enterprise Prime que l’équipage va expier ses fautes et celles de son peuple avant d’obtenir une renaissance complète et l’occasion de repartir sur des bases saines et nouvelles.

Les fautes des uns et des autres ont été pardonnées et c’est un équipage nouvellement reconstitué qui va prendre en charge l’avenir d’un nouvel astronef , non pas l’Excelsior qui constituerait une rupture irréversible mais bel et bien l’Enterprise qui bien que conforme à l’ancienne version présente une différence et une particularité de taille, l’ajout d’un suffixe lettré qui laisse augurer que son existence ne fait que commencer.

De mémoire, l’Enterprise est d’ailleurs le seul vaisseau de toute la flotte à bénéficier d’un tel honneur. Car on verra dans TNg que si le modèle de base du vaisseau peut être reproduit pour constituer toute une flotte de navire, chaque bâtiment possède un nom qui lui est propre alors que les versions de l’Enterprise succèdent, que sa classe évolue et que malgré tout , il conserve son nom. Il n’y aura pas traces d’un Uss Reliant ou Défiant ou Pasteur en version A, B ou E . Mais quand il s’agit de l’Enterprise …  

Suite à ce Retour sur Terre, Shatner prend les manettes et nous « offre » Star Trek 5 – l’ultime frontière. Je ferais l’impasse sur cet opus , non pas pour la qualité en propre du métrage dont nous avons déjà devisé dans ces colonnes, mais simplement parce que les différents visuels sont réchappés de the Voyage Home et que rien de nouveau ne vient étayer notre bon vieux vaisseau. Reste malgré tout le champ du cygne de TOS : Terre  Inconnue .

Dans ce dernier volet, l’Enterprise A vit sa dernière grande aventure avant de passer le relais dans Generations à la version B. Et pour ce faire, Meyer revient aux commandes. A l’écran , néanmoins , pas beaucoup de changement sur la forme. Mais sur le fond …. Après avoir été menacé d’être remplacé à de multiples reprises par l’Excelsior, l’Enterprise va non seulement être aidé par ce dernier contre un redoutable ennemi d’origine Klingon, mais en plus, il y a aura un de ses fils à son bord en la personne de Sulu. Cependant, ici, alors que TNG est déjà lancée sur le petit écran, il est hors de question de finir sur une note funèbre. L’Enterprise doit ressortir grandi de cette dernière salve d’adrénaline et offrir une ultime prestation qui restera dans les mémoires. On reprend donc tout ce qui fit son succès à l’écran : plans langoureux sur sa coque, ecchymoses plus ou moins profondes et une destruction quasi attendue mais évitée de justesse pour un tir final riche d’émotions.

Son temps de présence à l’écran est quasi égal avec celui du casting, les sfx sont enfin d’un niveau digne de lui et sa vitesse Warp n’a jamais été aussi palpable. Alors certes, il accuse le poids des ans , comme ses officiers, il arbore quelques cicatrices douloureuses , synonyme de son histoire et de celle de la Fédération à laquelle il reste intimement liée …

Mais il démontre qu’il n’est pas encore susceptible de finir au rancard, tout capable qu’il est de coexister avec brio avec un futur plus proche qu’on ne pourrait le penser. Et c’est sur un plan final de toute beauté que l’Enterprise démontre qu’il a largement dépasser son statut fondateur pour acquérir une place de maillon dans une chaîne qui va prochainement être renforcée.

4)      La transition avec la nouvelle génération

L’équipage classique, avant de disparaître totalement ou presque (via une apparition quasi commémorative dans un épisode spécial de DS9 saison 5 avec le retour de tribules fameux) va faire une ultime apparition dans le 7^ème opus cinématographique. Toujours dans un souci de détail chronologique, nous reviendrons un peu plus tard sur les apports non négligeable de cette aventure et nous reviendrons ici sur l’unique apparition de la version B de l’Enterprise, honteusement pompée sur les visuels de l’Excelsior. On notera donc une modernisation de la coque et de la soucoupe, via une taille plus imposante mais aussi un souci d’aérodynamisme avec un corps de bâtiment plus profilé nonobstant une customisation certaine des nacelles de distorsion. Le tout pourrait apparaître comme un volonté d’apporter des ajouts plus esthétiques que véritablement profitables à l’Enterprise qui originellement possédaient le nécessaire sans à côtés outranciers , à l’instar d’une Batmobile monobloc chez Burton contre un jouet Kenner Parker de luxe chez Schumasher. 

A la décharge de l’Enterprise B, notons toutefois que le passage cinéma lui aura permis d’obtenir un éclairage de grande qualité et de marquer les esprits de la Fédération via une première mission historiquement traumatisante avec la disparition du capitaine Kirk. Provisoire s’entend.

Qui dit version B dit également version C, version que l’on retrouvera le temps d’un seul épisode de TNG (L’Enterprise viendra d’hier / saison 3).

Cette histoire de paradoxe temporel qui risque bien de changer la réalité si la version C ne retourne pas dans sa propre réalité quantique nous permet d’observer une évolution de désign qui aboutira à la version D de TNG. La soucoupe reste en place, légèrement oblongue tandis que l’arrière du vaisseau se retrouve nettement plus aplati avec deux nacelles de distorsion en prolongement. A part une taille toujours plus grande, peu de choses à signaler.

Salut à tous, fans de Star Trek de tout horizon et au-delà ! Après avoir revisionné le "remake" de 2009, quoi de mieux que de se replonger dans l’histoire visuelle du parangon de Starfleet, l’increvable Enterprise qui a connu près d’une dizaine de déclinaisons en quelques 40 ans de carrière cinématographique et télévisuelle. Bien évidemment, afin de s’y retrouver dans l’univers de base et ses dérives uchroniques, il conviendra de s’y prendre de manière chronologique. Nous nous réfèrerons donc non pas sur les différents passages à la télévision mais bien sur la flèche du temps de Starfleet. Et mine de rien, c’est en avançant ainsi dans le temps que la série s’est construite, son bâtiment préféré restant finalement le plus souvent un reflet efficace des préoccupations du moment. Bouclez vos ceintures et préparez vous à entrer en distorsion, le voyage dans le temps peut commencer. 

1)                 Enterprise

Nous commencerons donc par la série éponyme, première du lot des franchises Star Trek à mettre en avant le prototype même du célèbre vaisseau avant qu’il n’ait droit à sa mythique immatriculation. Plus petit que tous ses successeurs, bénéficiant d’un équipage réduit de moins de 150 personnes, le NX-01 présentait à la fois des lignes fluides et une coque encore expérimentale qui n’offrait pas l’aspect lissé caractéristique de la Fédération, se rapprochant en cela d’une finition de type Klingon voire même Cardassienne. On notera toutefois la présence de deux nacelles de distorsion , qui se révèleront logiquement indispensable puisque présentes depuis TOS et contribuant nécessairement à l’identité visuelle du Starship. La série nous permettra également de constater une certaine évolution dans les Spatiodocks nécessaires au montage et aux réparations diverses qui suivront les mensurations toujours croissantes de l’Enteprise. 

Clin d’œil au futur vaisseau de Kirk , on retrouve également les fameuses « pastilles rouges » en collerettes et le centre de commandement disposé au sommet de la soucoupe, ce qui reste paradoxal en soi puisque représentant la partie la plus exposée en cas de conflit armé (d’où , à part une sombre histoire de radiation, l’installation en urgence d’un autre centre de commande dans l’une des nacelles de distorsion). On note également l’installation réflecteur à l’avant de l’astronef, appendice qui disparaîtra chez Kirk pour revenir chez Picard. Le NX-01 prend donc ainsi le meilleur de l’ensemble des vaisseaux de la franchise pour un rendu visuel assez fort. 

Néanmoins, ne s’agissant que d’un prototype et d’un space ship pré Starfleet, il était logique de limiter les capacités du NX-01. Première restriction de taille et qui posera moults problèmes, en particulier lors du conflit Xindi, une vitesse bridée à Warp 5 (le Voyager aurait été content avec un tel handicap….) même si cette dernière n’apparaît pas de prime abord. Autre retrait concédé aux successeurs de ce dernier, un téléporteur expérimental plus apte à transporter du matériel que du bagage organique. Dans les trois premières saisons, on évite l’accident de The Motion Picture mais tout un chacun semble peu rassuré de voyager par ce mode de transport , ce qui laisse de beaux scénarios avec pour base les navettes , qui elles aussi offrent un aspect plus technique que la Galileo de TOS, par exemple.

Dernière innovation, si l’on peut dire, l’absence totale de rayon tracteur, pourtant si utile dans TNG ou DS9. La Fédération apparaît clairement en retard sur ce point face aux Andoriens ou aux Vulcains et le NX-01 ne peut alors avoir recours qu’à un double grappin. Pari osé s’il en est mais plutôt réussi à l’écran, ce qui n’était pas gagné…

Pour en terminer avec le NX-01, force est de constater que sa participation active dans les conflits du quadrant et accessoirement ses tentatives de sauver la planète Terre d’une destruction imminente ne l’auront pas laissé indemne. De mémoire, à part l’Enterprise de TOS et de Nemesis (au cinéma) c’est la seule fois à la télévision où un vaisseau phare apparaîtra dans un tel état, représentatif de l’évolution de son équipage qui aura bien mûri durant ces dizaines d’épisodes : éraflures, plaies béantes, crevasses, le NX-01 dépasse sa condition de machine pour offrir des souffrances quasi organiques.  

Ainsi, même si ce pan de la saga trekkienne n’est pas le plus réussi au niveau du rythme (il faut attendre la seconde moitié de la troisième saison pour que tout ce petit monde prenne son envol), il faut bien concéder aux créatifs une maîtrise du rendu des vaisseaux spatiaux peu négligeable et finalement assez finaude. 

2)                 Star Trek : The Original Serie (TOS)

Avant même de connaître le succès avec Kirk et ses comparses, Star Trek avait bénéficié d’un premier pilote à la télévision américaine qui est longtemps resté dans les tiroirs : The Cage (dont on retrouvera les principaux éléments dans le double épisode « La Ménagerie » avec un Capitaine Pike en fauteuil roulant qui n’aura de cesse d’être ensuite parodié dans de nombreuses  séries à l’image de Futurama). Dans cet épisode perdu se trouve déjà les fondations de ce que sera tout l’Univers Star Trek à venir , nonobstant une audace folle de Roddenberry pour l’époque : une femme comme second de vaisseau (qui deviendra ensuite infirmière puis ambassadrice de Betazed et qui nous a quitté récemment) et un extraterrestre au physique plus diabolique qu’étranger : M Spock (qui sera le seul rescapé pour la série à venir). Au-delà de ces considérations de casting, on notera que le visuel de l’Enterprise, l’original diront (à raison) certains est déjà en place avec soucoupe et double nacelle de distorsion.

  Les avancées technologiques sont déjà en place, de la salle de téléportation à 6 plots qui permet en fait de gagner beaucoup de temps tout en évitant des pertes de rythme inconsidérées pour un scénario TV à la passerelle plus vaste et fonctionnelle (observez la présence de lampes de bureau !)

L’essentiel de ces trouvailles visuelles seront conservées pour le second pilote, avec une salle de commande encore plus fonctionnelle (comprenez la présence de nombreuses loupiotes) et d’un écran de contrôle bien mieux intégré.

Reste à noter que l’Enterprise en propre bénéficie d’un lifting léger afin d’obtenir un meilleur rapport de proportions. Néanmoins, ces plans spatiaux à maquettes coûtent une petite fortune et comme vous l’aurez constaté, une partie non négligeable du budget de la série passe dans les décors et les costumes, les effets spéciaux relevant le plus souvent de l’époque de Méliès ( ce qui contribue d’ailleurs aux côté kitch du show). De fait, on retrouve toujours les trois ou quatre mêmes plans sur les 60 et quelques épisodes de TOS, seule la teinte de la planète du jour étant modifiés. Pire encore, on retrouve souvent en alternance deux visuels de l’Enterprise prenant leur source soit dans The Cage soit dans le nouveau pilote, ce qui explique les modifications certaines, en particulier au niveau des finitions des nacelles qui tantôt sont aérodynamiques, tantôt complétées avec deux ampoules….

Le rayon déflecteur est déjà en place mais n’est jamais utilisé dans la série (le terme de rayon reste il dans ce cas approprié ?) et tout un jeu de lumières est mis en place pour simuler une activité certaine, innovation qui n’apparaissait pas dans The Cage. 

Esthétiquement très réussi et bénéficiant d’un aspect policé, ce vaisseau, le seul de toute la série classique à pouvoir prétendre à ce titre comparé aux vaisseaux romuliens ou klingons qui font plutôt office de rouleaux de papiers toilette bricolés et peint dans des couleurs différentes, marquera autant les esprits que les téléporteurs ou les conquêtes féminines de Kirk. Une vraie réussite malgré certains éléments qui s’apparentent encore à du carton pâte ou à un jouet pour enfant.

Prochaine partie : l'Enterprise au cinéma ! ^^